dissabte, 23 de març del 2013

¿Qué es ser una chica Almodóvar?


                                
                       Una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma. 

                                                                                  
Pedro Almodóvar es uno de los directores de cine españoles más populares que ha habido hasta la fecha. Siempre ha ido acompañado de la transgresión y el escándalo y sus películas han representado la realidad marginal

Podríamos nombrar muchas características propias y exclusivas de Almodóvar, pero una de sus constantes es la importancia que le da a la mujer en sus papeles y sin las que, según el mismo director, sus películas no tendrían sentido.
Aunque Almodóvar siempre ha apostado por la ruptura de los valores clásicos y de los estereotipos habituales, las mujeres a las que representa en sus películas suelen tener alguna característica muy personal que hace que rompamos los prejuicios y nos hagamos eco de sus historias personales. No hay ninguna mujer que se parezca a otra, todas ellas son únicas. 

Las mujeres que aparecen en sus películas son muchas veces protagonistas y la historia gira en torno a ellas, sin depender en algún sentido de la figura de un personaje masculino. Ahonda en sus sentimientos, sus historias personales y proyecta su evolución humana, sus vidas y sus finales.

Tan importantes han resultado las mujeres en sus películas, que se ha creado un mito: ‘’Las chicas Almodóvar’’. Además, las preferencias del director por un grupo de mujeres han hecho que sus caras ya sean reconocidas y que formen parte de esa etiqueta. Algunas más conocidas son: Carmen Maura, Penélope Cruz, Cecilia Roth, Chus Lampreave, Victoria Abril, Rossi de Palma o Verónica Forqué, entre otras.



Algunos de los estereotipos que ha utilizado en sus personajes son los siguientes: 


La mujer transexual: Hay dos personajes transexuales especialmente conocidos en el cine de Almodóvar. La primera es la Agrado en Todo Sobre mi madre, intepretada por Antonia San Juan, que pese a ser un personaje más o menos plano y representar la transexualidad y la prostitución en un ambiente marginal, resulta carismática por su naturalidad y sus buenos sentimientos. Todo sobre mi madre representa las enfermedades contagiosas entre transexuales y gays, su marginación y los ambientes que solían frecuentar.

También destaca Letal en Tacones Lejanos, interpretada por Miguel Bosé. Se trata de un juez que por la noche se dedica a hacer espectáculos encarnando a una conocida artista cuya hija tiene que investigar por el asesinato de su marido.


 La Agrado en Todo sobre mi madre
                                                                                                        

Madres: En su filmografía hay todo tipo de madres. Manuela en Todo sobre mi madre, acaba de perder a su hijo de 17 años y decide volver a la ciudad donde vivió siendo joven para reencontrarse con su pasado y decirle a un antiguo amor que tuvo un hijo suyo. Representa el anhelo, la superación y el dolor.

También hay madres que representan el abandono a sus hijos y la incompatibilidad de ser madre y tener éxito profesional como por ejemplo Becky del Páramo en Tacones Lejanos.


Prostitutas: Es el caso de Cristal en ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, que representa una mujer de la calle que hace una vida absolutamente normal y cuenta con el apoyo y la amistad de su vecina Gloria. Trata el tema de la prostitución desde un lado totalmente opuesto al de La Agrado. Cristal no ha sufrido las vejaciones, las palizas o los insultos, sino que se trata su profesión desde un lado totalmente natural.




 Cristal en ¿Qué he hecho yo para merecer esto?
                                                      

Drogadictas: En Entre Tinieblas se presenta un convento lleno de vicios, drogas y excentricidad. Almodóvar plantea la posible corrupción moral que hay en el seno de la Iglesia. En ¿Qué he hecho yo para merecer esto? Gloria es una ama de casa adicta a los somníferos y en Todo sobre mi madre, la transexual Lola se ha contagiado de sida por su adicción a las drogas inyectables.


Amas de casa: Muchas mujeres son representadas como meras amas de casa pero con preocupaciones, con problemas familiares que a veces rozan el surrealismo y el drama. Es el caso de Raimunda en Volver, una mujer que regenta un bar junto a su marido y su hija adolescente en una historia de asesinato y drama familiar. En Carne trémula, Clara, interpretada por Ángela Molina representa a una mujer maltratada que quiere abandonar a su marido pero éste se lo impide.



Raimunda en Volver
                                                     


La mujer homosexual: Rossi de Palma representa a una lesbiana en Kika, que además, ha sufrido abusos por parte de su hermano pequeño. Bibiana Fernández, interpreta a Chon en Tacones lejanos, una reclusa que está en la cárcel junto a su novia. Representa uno de los mejores momentos musicales de las obras de Almodóvar.   


Tacones lejanos 
                                                                                                   
Finalmente, podemos decir que Almodóvar apostó por romper los estereotipos que se ofrecían en el cine sobre las mujeres y los enfocó desde otro punto de vista, más cómico, más humano y más retrospectivo. Almodóvar acerca sus personajes femeninos a mujeres reales, fuertes, independientes, que sufren y se sienten solas pero que son únicas. Son mujeres que evolucionan, que tienen problemas habituales y cotidianos. Almodóvar otorga alma a todos sus personajes, sean mujer u hombre, pertenezcan a la clase media, alta o a lugares marginales, sea cuál sea su condición sexual y sus situaciones.



Jacqueline Morillo - Comunicació audiovisual


dimecres, 20 de març del 2013

Publicitat subliminal?

L´últim dels anàlisis científics i el més gran de tots va ser al 1996 per C.  Trappery, i va incloure vint-i-tres experiments diferents. Però cap va provar que els missatges subliminals causin un efecte de comportament compulsiu. Tampoc s’ha provat que serveixin per aprendre idiomes, reduir el pes o deixar de fumar mentre dormim.
Aquest  anàlisis de Trappery va ser refutat el 2006 per un grup d’investigadors com un experiment desacreditat, i que, no invalida la hipòtesi de l’efectivitat dels missatges subliminals. Aquests investigadors van demostrar que, si realment les condicions són les correctes, els missatges subliminals funcionen.

Hi ha diferents tipus de missatges subliminals. Pel tipus de propostes amagades, els missatges subliminals poden classificar-se de la següent manera:

•    Missatges de contingut sexual: tenen com a objectiu distorsionar el concepte de gènere, dóna noves formes de veure a l’home i la dona  generant concepcions incorrectes sobre la responsabilitat de cadascú en la família.
•    Els missatges que inciten al suïcidi, a l’avortament i a l’assassinat, generant despreci al món i la societat i promovent la mort i el que anomenem inherent.
•    Els missatges que promouen l’anarquia social, el rebuig a la normatització i la llei.
•    Els missatges que porten a la drogoaddicció i l’alcoholisme; són freqüents els missatges que porten a drogar-se o emborratxar-se amb arguments que recolzen una falsa bona vida a partir d’aquest estat.
•    Els missatges que promouen el satanisme: aquests constitueixen una àmplia varietat dels missatges subliminals negatius. Parlen obertament en contra de Déu, Jesús o la Verge, rebutgen l’Església o fan comentaris contra el clero; utilitzen una simbologia o reivindiquen àngels caiguts, fan oracions de fe satàniques, nomenen noms de dimonis, parlen en contra del cel i fan al•lusions favorables a l’infern.
•    Els missatges que generen confusió al voltant del cristianisme o altres religions.



Segons les investigacions fetes als darrers anys, existeix poca teoria fiable que recolzi la idea de l’existència d’aquest tipus de publicitat en imatges fixes o en envasos de productes. Un dels pocs investigadors a favor és Wilson Bryan Key. Aquest autor diu haver descobert varis missatges amagats en diversos anuncis publicitaris, principalment associats amb el sexe i la mort.
Un dels estudis més citats és el de l’anunci de #whisky en el que Wilson troba vàries formes amagades als glaçons de gel. No obstant, per a altres investigadors, Wilson era una persona amb una ment massa perversa.
Experts com Lluís Bassat indiquen que l’objectiu de la publicitat és aconseguir que el consumidor tingui en compte la marca quan prengui la decisió, idea oposada al sentit que representa que segueix la publicitat subliminal.
Per la seva banda, Fernando Ocaña, fa veure que l’esencial al camp de la planificació de medis  és obtenir el  major record possible, el que significa que la percepció es fa de manera conscient i no inconscient.

Els estudis de psicologia diuen que per a que un estímul pugui provocar algun efecte és necessari que sigui percebut.  Contínuament estem sotmesos a una gran quantitat d’estímuls que el cervell ha d’anul•lar per evitar que arribem a la bogeria. S’ha calculat que per processar tots el estímuls que percep la vista seria necessari un cervell d’un any llum cúbic. Per aquest motiu es pot dir que tot el que és imperceptible de manera conscient no té efectes, ni a curt ni a llarg termini.

Aquesta conclusió està recolzada pels descobriments de la psicologia experimental i les neurociències, que mostren que les transmissions a través de les neurones responen a la llei “del tot o res”. En altres paraules per a què una informació es transmeti a través d’una neurona ha de donar-se un potencial d’acció i en aquell punt només hi ha dos opcions: o es transmet un potencial d’acció o no es transmet. Quan un potencial d’acció es transmet, es deu a que els estímuls han superat el llindar mínim de percepció. Tenint en compte que els estímuls subliminals estan, per definició, per sota del llindar mínim, la publicitat subliminal no arriba a ser percebuda pel cervell humà ni conscient ni inconscientment en cap moment. (Això ho trobareu familiar als que us  va anar bé l'examen de psicologia de dilluns passat).


Tot i així, trobem una sèrie de casos denunciats. A causa de l’experiment de James Vicary i la seva enorme difusió al món de la publicitat han aparegut intepretacions exagerades de casos que aparentment explotaven impulsos sexuals primaris.

•    L’anunci de Vetiver  de la marca valenciana Puig, va ser acusat de publicitat subliminal quan la model treia el braç de la piscina i el col•locava al terra just a l’ombra de l’entre- cuixa projectada d’un model. L’agència va respondre que fou casualitat i que la model no tenia instruccions de col•locar la mà en cap lloc en concret.



•    També es va comentar que l’ampolla de Coca-Cola va ser dissenyada subliminalment perquè la seva forma recorda a la del cos d’una dona. No obstant, els seus creadors van afirmar que l’objectiu era ser subjectada sense problemes encara que estigués mullada, o freda al no tenir superfícies aspres, i que la inspiració pel seu disseny va ser la de la llavor del cacau.



•    La pel•lícula de “Los rescatadores”, mostra una escena en que apareix una dona despullada a la finestra d’un edifici, però això només es pot percebre si es veu a càmara lenta, mitjançant un anàlisi quadre per quadre. Alts executius de Disney van afirmar que aquella imatge no havia estat insertada per cap dels seus empleats directes, sinó per algun dels encarregats del muntatge de la pel•lícula. Tot i això, milers de còpies van ser retirades del mercat.


•    A-style va llançar una agressiva campanya publicitària basada al voltant del logo, una A estilitzada de manera que sembla desenvolupar l’acte sexual. La marca ha declarat que la polèmica darrere del disseny és totalment intencionada.






Com a conclusió dels missatges subliminals podem afirmar que tots aquests casos, excepte la pel•lícula Disney i la marca A-style, han pogut ser pareidolies; és a dir, un fenomen psicològic que consisteix en un estímul aleatori percebut de manera errònia com una forma habitual.
Els exemples més habituals de paradolies són: associar imatges a la forma dels núvols, de grans roques, rostres al capdavant dels cotxes...
Aixó ens demostra que tot això dels missatges subliminals pot ser fruit de la nostra capacitat imaginativa, encara que en certs anuncis, campanyes o imatges fixes ho fan de manera intencionada per aconseguir algun tipus de propòsit.
No obstantaixò, queden per fer moltes investigacions sobre aquest tema...

dimarts, 19 de març del 2013

Estrella Damm i publicitat


L’Estrella Damm és una cervesa amb més de 130 anys d’història molt reconeguda i consumida arreu del món, tot i que pren més força al seu territori natiu, Catalunya. Gran part del prestigi d’aquesta marca ve donat per la seva publicitat, que només amb quatre anys  ha aconseguit que els seus anuncis estiuencs s’hagin convertit en tot un clàssic que el públic espera amb curiositat i amb grans expectatives per complir.

L’any 2009 l’Estrella Damm va iniciar aquesta tradició amb el seu primer anunci de la sèrie Mediterràniament rodat a Formentera. L’espot es va convertir en l’indiscutible triomfador de la temporada publicitària de tot l’estiu, prenent com a eslògan “Res mai s’acaba si alguna cosa que t’ho recorda”. El grup Billie the Vision and The Dancers va tenir gran part del mèrit amb la seva cançó Summercat, la qual en va esdevenir la banda sonora. Tant la història, la forma d’explicar-la, com el missatge final van fer que aquest anunci l’Estrella Damm es convertís en un gran èxit.




Amb la intenció de tornar a repetir el triomf del primer anunci, l’any 2010 l’Estrella Damm va apostar per Menorca com a lloc de rodatge. Aquest cop els australians The Triangle van ser els responsables de la part musical amb el seu tema Applejack. Aquest espot, copiant gairebé en tots els sentits l’esquema de l’anunci de l’any anterior, va tornar a convèncer gran part dels espectadors donant resultats molt positius cap a la marca de cervesa, aquest cop  prenent com a lema "De vegades el que busques és tan prop que costa de veure-ho".




L’any 2011 l’Estrella Damm, aprofitant al màxim la mina d’or que havia descobert, es va mantenir fidel al seu format i va presentar un nou espot. Aquest cop l’anunci va ser dirigit per la directora de cinema Isabel Coixet, de la qual en destaquem pel·lícules com Things I Never Told You (1996) o My life without me (2003). Com a novetat quant a l’espot, en lloc de gravar-se a les Illes Balears van decantar-se per un territori de la península: el restaurant El Bulli de Ferran Adrià i la Cala Montjoi. L’eslògan escollit aquest cop va ser “Alguns cops allò normal pot ser extraordinari”.




Per finalitzar amb aquesta campanya, l’any 2012 el lloc escollit per a l’enregistrament de l’anunci d’Estrella Damm va ser la Serra de Tramuntana de Mallorca, un espai natural declarat molt recentment Patrimoni de la Humanitat per la Unesco. Quant a la música, els escollits van ser el grup suec coneguts com a Lacrosse i la seva cançó You can’t say no forever. Un cop més l’anunci va aconseguir mostrar tota la bellesa de l’entorn i plasmar-la perfectament, captivant així un cop més al públic sota un lema que ha estat dels més exitosos de la campanya: “Quan estimes el que tens, tens tot el que vols”.




Quin paradís del Mediterrani escolliran aquest any? Qui serà el brillant grup de música poc conegut que posarà la melodia i omplirà de vida l’anunci? Com serà la història que explicaran? Aquestes són algunes de les preguntes que ens fem ara mateix, esperant que l’anunci 2013 de l’Estrella Damm marqui l’arribada de l’estiu. Però el triomf d’aquesta gran campanya no es troba únicament en el fet que sigui una idea creativa o transmeti un missatge positiu, de fet, que l’esquema sigui tant repetitiu hauria de causar fatiga a l’espectador i perdre el punt d’originalitat. Personalment opino que l’èxit ve donat per una perfecta coordinació i complementació dels detalls que formen els anuncis: un bon resum d’una història que desperti l’atenció del públic, la transmissió del concepte “estiu”, el missatge de l’espot ben construir i molt simple i una gran elecció dels temes musicals que donen vitalitat a la campanya, els quals han estat un element fonamental.

A més de tot això, l’Estrella Damm ha estat “pionera” d’una altra gran iniciativa, el fet d’acompanyar l’espot publicitari amb un hashtag a la xarxa social Twitter, seguint l’exemple d’altres empreses estrangeres. Aquesta forma de connectar la televisió directament amb l’Internet fa que, amb l’aparició dels Smartphones la campanya publicitària arribi a un públic molt més extens.

La competència, però, ha reaccionat ràpidament enfront aquest gran èxit per part de la marca de cervesa catalana. Altres com la Mahou amb el seu espot “Celebra lo que tienes” o l’anunci de la San Miguel de l’any 2012 (#lacancióndeSanMiguel) han intentat difuminar la imatge de l’Estrella Damm de la ment dels espectadors. Sota el meu punt de vista, han esdevingut intents sense èxit, ja sigui per la falta de personalitat o per l’ús d’un missatge que no ha esdevingut suficientment profund per despertar el mateix interès que la Damm en el públic.

A més d’aquesta campanya publicitària d’estiu, m’agradaria remarcar alguns anuncis més de l’Estrella Damm, que és coneguda també pel fet de ser patrocinadora del Futbol Club Barcelona. Un dels espots que m’agradaria destacar és el de “La feina ben feta” de l’any 2010. En aquest anunci de la marca de cervesa, mitjançant personatges reconeguts i amb cert prestigi social, s’intenten transmetre els valors del club de futbol, fent-ne ús d’un text motivador amb rima i musicalitat. El gran muntatge visual juntament amb el dinamisme de l’anunci i el ritme fan que aquest es doti de gran profunditat i sentiment, fet que culmina quan l’espot conclou amb “i el que facin els altres tan si val, la feina ben feta ni té fronteres ni té rival”, transmeten així amb perfecció tant les emocions com el clar missatge que es vol mostrar.





L’últim anunci que m’agradaria destacar és una campanya que l’Estrella Damm va presentar l’any 2011, també patrocinant el Futbol Club Barcelona. Seguint amb la iniciativa d’unir la publicitat amb la xarxa, l’espot va ser titulat amb un hashtag: #quetenim. Protagonitzat per l’actor català Quim Gutiérrez i pel grup de cantants, també catalans, Els amics de les arts, l’anunci esdevé un homenatge a les “coses nostres, coses bones que tenim aquí”, referint-se al patrimoni de Catalunya.




Com a conclusió voldria establir una relació entre les diferents campanyes esmentades anteriorment. En cadascun dels casos  els productors dels anuncis han aconseguit plasmar les arrels de la marca Estrella Damm fent del patrimoni català i l'estil de vida Mediterrani uns valors molt importants i dels quals es dóna a entendre a l’espectador que cal sentir-se’n orgullós. Podem dir que els anuncis de la Damm tenen el gran poder  de tractar temes als quals la població reacciona de manera més sensible, ja sigui transmeten felicitat, orgull o qualsevol altre sentiment.

Villarrosàs, el seu creador, segueix l'estil del anuncis de Coca-Cola, on es vincula aquesta amb la felicitat amb un resultat molt satisfactori. Així doncs, podem entendre que aconseguint vincular un producte amb una emoció hi ha una probabilitat molt més alta d’èxit en les campanyes publicitàries. En el cas de la marca de cervesa els consumidors no només associen el producte amb l’estiu, sinó que associen també Estrella Damm amb una nacionalitat, la catalana. El fet que es mostrin aspectes o indrets de la nostra terra (com ara el mediterrani, el restaurant del conegut cuiner català Ferran Adrià o el sentiment de ser blaugrana) fan que juntament amb el producte neixi un sentiment nacionalista i d’orgull pel propi territori i els elements que el caracteritzen.

Per finalitzar m’agradaria remarcar també el fet que els anuncis d’Estrella Damm no ens pretenen vendre la cervesa en sí, sinó que va més enllà presentant-nos la seva essència, l’esperit. Podem afirmar doncs que els anuncis d'aquesta marca són un clar exemple del fet que no sempre és necessari fer referència al producte que s'està promocionant per tal de que la seva publicitat sigui efectiva. 

Droga dura des de Hollywood; The man with the golden arms, 1955.



The man with the golden arms; Otto Preminger, 1955.

The man with the golden arms és un film del director Otto Preminger ,produït al Hollywood dels anys cinquanta, basat en una novel·la literària del mateix nom de Nelson Algren.

Context
La dècada dels cinquanta van ser una etapa de frontera entre la fi del cinema clàssic i el inici de una nova generació de cineastes, amb idees fresques i una nova forma de mirar i fer cinema.
El principi del anys cinquanta va ser complicat per a l’industria cinematogràfica, ja que es crea el Comitè d’Activitats Anti-americanes (HUAC). La funció d’aquest organisme era perseguir les conductes antiamericanes a qualsevol preu. Les estrelles, escriptors, directors i gent de la industria van passar a seure a la banqueta, uns acusats de simpatitzar amb idees comunistes mentre altres s'organitzaven en grups de suport als companys que anaven sent cridats a declarar davant el Comitè. Van ser uns anys amb molta desconfiança. 

La situació social tampoc va ajudar a la tradicional industria del cinema. Degut a l’estabilització econòmica de la classe mitjana, aquesta comença a gaudir de nous electrodomèstics, automòbils i la televisió; gran enemic del cinema. Així el públic es queda a casa, deixant d’anar al cinema. La estratègia de les grans productores va ser invertir amb les novetats tècniques  com el 3-D, Cinemascope, VistaVisión ... Però el cinema no tornarà a recuperar el públic perdut, els nous hàbits ja estaran molt arrelats en la societat americana.
Tot i això aquesta època suposarà un moment fantàstic de Hollywood. La indústria cinematogràfica treballa molt, i la producció és gran en quantitat i gran en qualitat. Sorgeix "el nou Hollywood " on Kubrick entra a les pantalles amb una renovada mirada sobre el que els envolta. Tenen en definitiva una nova forma de narrar, de rodar i una forma diferent d'entendre el cinema.

El film
Estrenada a mitjans dels anys cinquanta, 1955, i englobada dins del gènere dramàtic, va ser protagonitzada per un Frank Sinatra que no passava el seu millor moment, una jove Kim Novak, Eleanor Parker i Darren McGavin.
El film ,de quasi dues hores de durada, comença quan Frankie Machine (Frank Sinatra), exadicte a la heroïna i exjugador de cartes, surt de la presó i vol refer la seva vida evitant les drogues i el joc. Quan surt de la presó es retroba amb la seva amant,amb la seva dona i els gangsters que havien provocat la seva posada entre reixes. Tot el fim es basa en la relació a trebs bandes entre elles. Otto Preminger retrata la vida nocturna en un barri marginal de Chicago, amb tot el seu ambient mafiós i perillós que el món underground comporta. És ,a grans trets, una historia de debilitat, dolor i penediment mitjançant l’amor i la mort sense deixar apart la critica de la marginalitat social de les classes baixes.
Destacar que va aconseguir tres nominacions a l’acadèmia dels Oscars. Frank Sinatra com a millor actor, millor direcció artística i Elmer Bernstein per la banda sonora.  
La banda sonora del film és una obra mestra feta a ritme de Jazz la que aconsegueix mantenir perfectament la tensió a tot el film. Feta per grans músics de Jazz de l’època com Sharly Rogers, Shelly Manne i Pete Candoli , però dirigida per Elmer Bernstein.

Otto Preminger
El que és més important més enllà de la excel·lent actuació de Frank Sinatra al film, va ser que va suposar un trencament del codi Hays, va comportar fer un pas endavant i deixar endarrere el Hollywood restrictiu.
Otto era un especialista en enfrontar-se amb l’organisme encarregat de vetllar per la vigència del codig Hays. Al 1953 amb el film The moon in blue ja es va enfrontar amb ells als tribunals, aquest film declarat immoral va ser emes sense el vist i blau del codig Hays. I més tard, al 1955 amb l’estrena The man with the golden arms  tractant un tema tabú ,com les drogues i la toxicomania, es va reafirmar la derrota del codig i va suposar un important fet pel cinema americà, que a partir d’aquest moment el codig Hays va passar a segon pla.




Àlex Folguera  - Comunicació Audiovisual



dilluns, 18 de març del 2013

Ayer fui a ver Django Desencadenado, la última de Tarantino aquellos a quien Tarantino les resulte un gran director, la película es genial y sin lugar a dudas está dentro de su forma de hacer las cosas. 
Conté 75 muertes, supongo que serían más, ya que durante una matanza en un grupo, no me quedó muy claro cuántos Vivian y cuantos morían.
Opté, por fijarme en la forma en la que estaba hecha la película, los planos, la iluminación y la interpretación de los actores. 
Diré, que la iluminación es terrible, unas faltas de sombras o de malos enfoques, que no entiendo como a alguien de la talla de Tarantino se le pueden. Supongo que para pasar. 
¿Los actores? Jaime Fox hace un gran papel de "negro vengador", pero claro, no sé yo sí al fin y al cabo es el personaje que más le pega. Vamos a dejarlo en que resulta creíble y listos.

Se me cayó un mito, lo reconozco abiertamente, Don Jhonson se fue al suelo de golpe, es innegable que el tiempo pasa y lo hace para todos, pero... ¡Por favor! Jhonson era un mito erótico para cualquier mujer que haya crecido en la década de los 80 y 90. Corrupción en Miami. Ayer lo vi de nuevo y solo me queda decir: 
- Don cariño ¡Como te han puteado estos años!

Samuel L. Jackson, como siempre, impecable, bien, un gran papel.

 Dicaprio ¿Qué queda de Jack? Os lo diré ¡Nada! Te dan ganas, tal y como está ahora, de que se hunda con el Titanic. Aunque no dejaré de reconocer que el papel que realiza es impecable, frío, calculador... Pero otro para que el tiempo ha pasado.

Se pretendió hacer de una historia de amor, una del oeste, con reminiscencias innegables a Leone, más presente que nunca en las escenas a caballo pero en medio de un pueblo. Jugadas con los zooms i escenas más parecidas a un thriller que a una del oeste. El beso, casi al final y solo las sombras, después sí que se ve un poco. Llevaba toda la peli esperando a ver cuándo se reencontraban y sinceramente, tras tanto tiro, esperaba un poco más de pasión. Llamadme ñoña, es lo que tiene la edad.

Tiros, muchos tiros, demasiados tiros, incontables tiros, y explosiones y ruido y sustos y feedbacks. Vaya que en 165 minutos, dio para que allí metiera lo que quisiera. Amputaciones, intento de amputación, peleas a muerte, agresiones animales y a burlas y vejaciones hacia el género negro. 

Resumiendo. Recomendable para aquellos fans de Tarantino, para aquellos que no sean devotos del mismo, mejor ir a ver otra. 

Saludos a tod@s

dimecres, 6 de març del 2013

MUNDO DEL VIDEOCLIP: ¿TODO INVENTADO?

Un videoclip es un formato audiovisual fundado y alentado por la industria discográfica como estrategia de marketing para favorecer la venta de discos”.

 Pese a que en sus inicios no era ese el objetivo que se pretendía conseguir con la combinación de vídeo y música, sería una frase totalmente aplicable a lo que estos representan hoy en día. La sociedad, que gracias a los avances tecnológicos de las últimas décadas se ha convertido en consumidora diaria de música, espera los vídeos de sus artistas favoritos para verlos una y otra vez, y los que controlan el negocio esto lo saben. Tal es la importancia de los videoclips que en 1981, sale al aire la MTV (Music Television), el primer canal televisivo que emite videoclips durante las 24 horas del día, aunque en un principio solo mediante la televisión por cable estadounidense. Significativo, cuanto menos, es que el primer videoclip emitido por la cadena fuese Video Killed the Radio Star de The Buggles, buena definición de lo que sucedería a posteriori debido al “fenómeno videoclip”. El portal de internet YouTube, lanzado en 2005 con el objetivo de que la gente compartiese libremente sus vídeos, es otro de los ejemplos del poder de los videoclips. Este género copa 8 posiciones en la clasificación de los 10 vídeos más vistos del portal a día de hoy.

 28 años más tarde del lanzamiento del primer videoclip (Bohemian Rhapsody de Queen), y 22 años más tarde del nacimiento de la primera cadena televisiva dedicada exclusivamente a este género, son miles, por no decir millones, los videoclips que se han realizado. En este artículo me gustaría centrarme en los recursos que directores y grupos musicales han utilizado a lo largo de este tiempo, tratando de dotar a sus videoclips de algo que les haga diferentes y/u originales. Aunque visto lo visto a día de hoy está todo inventado. Antes de entrar a analizar elementos, analicemos los escenarios en los que algunas bandas se han situado en algunos de sus más famosos videoclips.

  DESIERTO COMO ESCENARIO. Más habitual en grupos que en solistas, son muchos los que han utilizado un desierto como escenario para sus videoclips. Así a bote pronto: Violadores del Verso, U2, The Killers o Foo Fighters son algunos de los ejemplos. Si lo analizamos como un elemento independiente, ver a estos grupos encuadrados en un desierto, podría simbolizar un momento duro en sus carreras, o la travesía hacía un momento mejor, aunque esto sea solo una libre interpretación.

  FRONTMAN EN LO MÁS ALTO DE UN EDIFICIO. Otro elemento habitual en los videoclips, y más habitual en solistas que en grupos, es la aparición de los componentes en lo más alto de un edificio. Interpretado de nuevo de una manera libre, los artistas pueden pretender simbolizar el momento álgido de sus carreras, colocándose en lo más alto, por encima de nadie. Eminem, Pitbull, Take That o Nelly Furtado lo han hecho.

  FRENTE AL MAR. Ya sea en la orilla de una playa o en lo alto de un acantilado, son muchos los grupos o solistas que han elegido este emplazamiento como escenario de sus videoclips. Dejando a un lado los típicos videoclips de canción del verano, donde todo se resume en mujeres en bikini y una gran fiesta (vease Danza Kuduro de Don Omar o cualquier canción de Sonia y Selena), los hay otros que quizá lo hayan utilizado con un sentido más complejo. Coldplay, James Blunt, Hurts o Muse han aparecido actuando cerca del mar, o en el medio directamente, quizá tratando de mostrar algún sentimiento entristecedor a través de su videoclip. Dejando a un lado los escenarios donde aparecen escenificados los grupos, pasaré a analizar algunos gestos o elementos que muchos grupos han tenido en común a lo largo del tiempo en sus videoclips.

  HACER LA CRUZ. Más propio de solistas que de grupos, y quizá con ciertos toques religiosos, muchos artistas aparecen en ciertos momentos de algún videoclip con los brazos estirados cual Jesús de Nazaret en la cruz. Desde mi punto de vista, igual que mostrarse en lo más alto de un edificio, hacer la cruz, e inevitablemente compararse con Jesús, les da aires de grandeza a estos artistas (gesto también común en deportistas), como pueden ser por ejemplo: Justin Bieber, Usher, Pitbull o Michael Jackson. Mención a parte merecen Lady Gaga y Madonna, que no es que hagan la cruz en sus clips, como los anteriormente nombrados, si no que han incluido imágenes de crucifijos en varios de sus videoclips.

  PURPURINA, PURPURINA EVERYWHERE. Son muchos los artistas que llenan o bien el decorado o bien su cuerpo de purpurina, quizá con la intención de ofrecer una imagen glamourosa, y aunque no siempre el glamour está relacionado con las mujeres, son mayoria las artistas del género femenino que utilizan este elemento: Shakira, Ke$ha, Jennifer Lopez o Katy Perry por ejemplo.

  MANERAS DE ROMPER UN PIANO. Los hay que hacen genialidades con el piano, fuera de sus videoclips, como pueden ser Billy Joel o Elton John. Luego también los hay, que prefieren hacer aparecer un piano en sus videoclips, con el único objetivo de deteriorarlo o romperlo. Estos los podríamos diferenciar en dos tipos: los que los ponen en la orilla de una playa para que las olas del agua pudran la madera (véase Álex Úbago o Hurts de nuevo) y los que los hacen explotar o caer desde una altura indeterminada (véase Fun o James Morrison). A diferencia que con otros elementos de videoclips, no soy capaz de explicar que lleva a algunos directores o grupos musicales a hacer eso con los pianos.

  MANERAS DE TRATAR BIEN UN PIANO. A su vez hay otros artistas o grupos, que aman un poco más lo que les da de comer, y tratan mejor sus instrumentos. Es el turno de esos artistas que salen en su videoclip tocando un piano. Los hay que hacen genialidades como los antes mencionados Elton John, Billy Joel, o como el grupo británico Muse, que los utiliza en bastantes de sus videoclips. Y los hay que se desconocía que sabían tocar este instrumento como por ejemplo Will.I.Am, pero que al menos, no lo hace explotar.

  ¿PÚBLICO? ¿PARA QUÉ?, SI HAY MANIQUÍS. Algunos artistas, o quizá por petición de sus directores, no se sabe por que motivo, hacen aparecer en sus videoclips uno o varios maniquís. El motivo que yo le encuentro, analizándolo fríamente es el ahorro en el presupuesto, aunque quizá a cada artista le inspire una cosa diferente el uso de figuras de cuerpos humanos inertes. Algunos de los artistas que coinciden en su uso son: A-Ha, Franz Ferdinand, los grandes Pet Shop Boys o los españoles Las Nancys Rubias.

  TELEVISIONES Y/O PROYECTORES ENCENDIDOS. Algunos artistas también coinciden en mostrarnos en sus vídeos imágenes superpuestas con el escenario, pero en forma de televisor encendido (que puede mostrar alguna imagen, como ha hecho Dire Straits, Muse, Eminem o Snoop Dogg, o puede mostrarse apagado como hemos visto antes con James Morrison), o bien, en forma de imagen reflejada por un proyector, como lo ha hecho Plan B, o el rapero español Nach.

 Para finalizar, como guinda a este pastel que he compuesto analizando similitudes entre los videoclips, y dejando a banda el análisis de ciertos elementos o componentes, analizaré la similitud en la temática. Temáticas para las historias contadas en los videoclips hay muchas, pero me gustaría señalar la cantidad de artistas que deciden crear su videoclip en torno a la Guerra, ya sea alguien que está combatiendo allí, que marcha a la guerra, o que muere estando de guerra. Podemos dar muchos ejemplos: Green Day, My Chemical Romance, Metallica, 30 Seconds To Mars o Katy Perry.

 Tras este análisis de muchos aspectos diferentes en torno al mundo de los videoclips, concluyo afirmando la hipótesis que he planteado, que casi todo, por no decir todo, está ya inventado en esta rama de la gran industria que es la música, cosa que no significa que se sigan haciendo videoclips de calidad. Disfrutad de la recopilación de videoclips que he hecho en el día de hoy, hay grandes artistas de diversos géneros, algunas muy buenas canciones, clásicos, temazos y videos de gran calidad. Y ¡gracias por vuestra atención!

 AITOR URBANO MEDINA