Los personajes de ahora.

  Los personajes de la ficción anterior, la época moderna, eran unos personajes más definidos, normalmente con características positivas, como por ejemplo el típico policía íntegro que no soporta las injusticias ni nada que va contra la ley y el orden, incapaz de no ir por otro camino que el, supuestamente, "correcto". La diferenciación de lo que estaba bien o mal era mucho más marcado, los personajes estereotipados como malo  y bueno eran muy claros, pero no solo eso, sino que también afecta a los papeles de otros personajes, como puede ser la figura cómica.

Evidentemente, esta fórmula se sigue utilizando y con buen éxito, pero con el postmodernismo llegó otro tipo de personaje a la ficción. Se trata de personajes híbridos que poseen tanto características buenas como otras consideradas negativas. Esto provoca que se trate de personajes más humanos, con los que el público se puede identificar o que incluso quisieran poder ser como ellos. También hay que añadir que este cambio en los personajes viene unido por todos los ajustes que se suceden cómo los temas a tratar, el tipo de humor que se realiza, la ambigüedad, etc.

Un ejemplo de este tipo de personajes podrían ser los que están basados en Sherlock Holmes, como podría ser el caso de Gregory House, el protagonista de la serie House M.D. Esta serie, teóricamente de medicina, utiliza como pretexto la medicina para narrarnos la vida del protagonista y su entorno, para poder hacer un análisis de las diferentes personalidades que se dan y así un análisis del comportamiento humano, una radiografía del alma humana.

Lejos de ser el típico médico preocupado por la salud de sus pacientes y que siempre lo ha querido ser para poder salvar vidas, Greg House es un médico genial pero con una metodología totalmente distinta, puesto que no visita a sus pacientes en persona (solo en contadas ocasiones) y realmente no ejerce por querer salvar vidas en sí, si no por el reto que le supone el enfrentarse a las enfermedades, para poder solucionar los enigmas. Se trata de una persona con poca capacidad para relacionarse (en varias ocasiones rechaza tal actividad), adicto a la vicodina, irónico, cínico en ocasiones, ególatra, el cual su forma de ejercer no es la correcta en muchas ocasiones, llegándose a saltar incluso la ley para poder lograr el objetivo y rompe con varias convenciones sociales diciendo lo que piensa, dándole igual quedar bien o no.

House y parte de su equipo

 Otro ejemplo, algo más actual, de este tipo de personajes podría Walter White, protagonista de la serie Breaking Bad. La serie trata sobre la vida de este sencillo profesor de química, padre de un hijo discapacitado y marido de una mujer embarazada, después de que le diagnostiquen un cáncer de pulmón, por lo cual decide quebrantar la ley e instalar un laboratorio y formar una red de contrabando de metanfetamina para poder asegurar el futuro económico de su familia cuando él no esté.

Al diagnosticarle la enfermedad terminal, la manera de pensar de Walter cambia drásticamente, y el que empezó siendo un sencillo y aplicado profesor de comportamiento recto acaba siendo una persona más dura, sin escrúpulos para conseguir lo que quiere. Es otra introspección del alma humana para ver como un personaje normal, al tener que enfrentarse a una situación dura y nueva para él, es capaz de poco a poco descubrir ese lado oscuro que tiene y, en vez de intentar alejarse de él, lo abraza para poder sobrevivir y asegurar la subsistencia de su familia cuando él falte. En lugar de escoger la salida más legal y hacer el "bien", decide ir por el otro camino, un camino ilegal con los cambios que propician en él.

Walter White, protagonista de Breaking Bad

También comentar que casos como estos hay varios y puede que más clarificadores también. Podríamos comentar, por ejemplo y para citar alguno del cine, el caso de Santos Trinidad, el inspector de policía de la película: No habrá paz para los malvados (Enrique Urbizo, 2011) que con tal de librarse  de que le inculpen en un asesinato acaba resolviendo todo el embrollo que se monta a partir de lo que parecía ser, en un principio, un caso normal de tráfico de drogas.

Y para acabar comentar que el público, en varias ocasiones, puede simpatizar con varios de estos personajes por su forma de ser o actuar, porque rompen con lo común y dicen lo que muchos pensamos pero no nos atrevemos a decir, pero a la hora de la verdad es bastante probable que realmente se alejaran de estas personas, porque no es lo mismo verlo en televisión que convivir con uno de ellos día a día. ¿Y vosotros, qué pensáis?

Gracias por vuestra atención.

Els remakes en el cinema. Nostàlgia o falta d'imaginació?

Sempre s'han fet remakes, és a dir, noves versions de pel·lícules precedents, però en les dues últimes dècades, a més dels nombrosos films que tornen sobre els mites clàssics del cinema negre, el terror i la ciència-ficció, s'han llançat al mercat nombrosos títols que són versions actualitzades i postmodernes dels films clàssics.

L'últim que he vist, ha sigut Evil Dead -Posesión Infernal- (2013), la nova versió de la pel·lícula de terror de 1981 dirigida per Sam Raimi. Mia és una noia vulnerable que està intentant deixar les drogues. Ella i altres quatre joves se'n van de viatge a una solitària cabanya per ajudar-la a superar els seus problemes. No obstant això, hi descobreixen un llibre amb el qual és possible despertar a una temible força demoníaca. A continuació, el lloc i l'estada es converteixen en un aterridor bany de sang.

Sam Raimi és la marca que ven el producte, ja que aquesta possessió infernal poc té a veure amb l'anterior. És el problema dels remakes: si calques l'original, et diuen imitador barat, i si et desvies massa, la referència perd el seu sentit. Desproveïda, doncs, de coartades creïbles i personalitat pròpia, què ens ofereix la nova Evil Dead? una aposta decidida pel cinema gore de multisales. Si la comparem amb l'anterior, Fede Álvarez deix de banda la trama i l'humor que utilitzà Raimi per centrar-se en la sang i així poder convertir el seu film en un dels més transgresors (amputacions, desmembraments, decapitacions, talls, llengües partides, pistoles de claus...), en defintiva, sang i més sang.

Un exemple diferent el trobarem en el remake del famós film de Hitchcock, Psicosis (1960). La majoria dels remakes (bons o dolents), com he dit abans, busquen fugir instintivament de la dependència de l'obra original, intentant trobar vida pròpia prenent com a punt de partida una història ja explicada. Psycho (1998), en canvi, pren aquesta dependència i la converteix en el lei-motiv de tot el seu metratge. Van Sant pretén reproduir i reciclar completament el guió de Joseph Stephano i la música de Bernard Herrmann, mantenint fins i tot el mateix estil dels crèdits inicials.

En aquest vídeo podeu veure com es busca reproduir quasi idènticament el film de Hitchcock.

La idea a la que vull arribar és que molts crítics de cinema consideren que la majoria dels remakes no aporten res de nou respecte als films originals, ni pel que fa al tractament del tema i dels personatges, ni a altres aspectes estètics o narratius. Es creu que no tenen la força ni la intensitat dels seus predecessors. Principalment, es diferencien dels originals per les seves seqüències de contingut sexual o violent, que apareix molt més explícit, i per una major superficialitat en el tractament dels continguts. 

Però, en la meva opinió, una gran part de la joventut coneix les històries que ens aporten meravellosos films del passat gràcies als remakes. Siguem sincers, la majoria de nosaltres no es posa a veure pel·lícules de fa 40 anys. Ens agraden i optem per veure pel·lícules que compten amb els impressionants efectes especials que ens han proporcionat les noves tecnologies. El primer exemple que em ve al cap és Las colinas tienen ojos, segurament, molts de vosaltres l'haureu vist i no sabeu que és un remake del 1977. Per tant, penso que en cert mode els remakes no són tant negatius, ja que “ressusciten” alguns dels grans clàssics del cinema.

Així doncs, us plantejo la següent qüestió:

Creieu que aquests tipus de films rebel·la la manca d'imaginació que pateixen els actuals guionistes i el poc risc que demostren les productores, que prefereixen apostar sobre trames d'èxits clàssics? O creieu que són positius? 

M'agradaria que reflexionéssiu sobre això i si us ve de gust, que donéssiu més exemples sobre algun remake i la vostra opinió de la versió clàssica i l'actual.

Gràcies pel vostre temps!

Sergi Jiménez Prades

Grau de Comunicació Audiovisual

La publicidad es cultura.

Que són los spots publicitarios?

Los spots publicitarios emitidos en  televisión son considerados una de las herramientas de la publicidad más caras, también hay que decir que una razón es porque se trata del formato  más completo. Que sea un formato donde su soporte de emisión mayoritariamente sea la televisión no ha afectado en que su contenido  haya sido prestablecido por la propia televisión. Pero si podemos hablar de que la televisión debido a su evolución en sus últimos veinte años haya afectado  la eficacia de los spots publicitarios, debido a que  han nacido nuevos canales de televisión, ya sean privados, a nivel nacional, autonómico o local. Pero en respuesta de esta situación la publicidad a reaccionado de manera que aunque haya surgido esta diversidad de canales tiene un estudio de la población muy preciso,  mediante la medición de la audiencia y es por eso que el contenido de los spots  ha de ser  un spot donde la mayoría de la población tenga una reacción, con más o menor grado de satisfacción sobre ese spot,  la cuestión es que ha de tenerla, ese es su objetivo de lo contrario podría suponer un gasto para la empresa que podría terminar en un balance negativo al final de año para las propias empresas.  

El contenido de los spots más allá de su objetivo.

El caso es que el contenido de los spots publicitarios termina por gustarnos a todos, suelen ser spots de los que hablamos, de los que incluso no cambiamos de canal hasta pasar ese anuncio en concreto, eso no suele pasar en todos los anuncios también hay que decirlo. El hecho de que el contenido ha de gustarnos,  hace  que disfrutemos viendo ese anuncio en concreto,  el hecho de que nos haga reír, nos haga reflexionar, nos haga pensar sobre el contenido que nos presenta, queramos o no puede que de  alguna manera  estemos delante de una representación de lo que nos gusta y que se podría considerar cultura. Con esto no quiero decir que todos los spots publicitarios emitidos en televisión sean cultura, sino que algunos de ellos posiblemente los más exitosos, los que hacen una clara representación de lo que nos gusta, son trabajos excelentes de la creatividad humana.  Algún ejemplo de lo que quiero decir sería este anuncio de Toyota.

Con este anuncio lo que quiero decir es que ha salido hace seis meses y ha sido considerado el mejor anuncio que ha sacado Toyota y ha sido nominado a mejor anuncio del año. Lo que en este anuncio vemos es que en el contenido audiovisual del spot se aprecia que la innovación en efectos especiales que utiliza, esté a  la altura de los de una película.  La razón de porque utilizan formatos que se aproximan a los de la cinematografía es porque eso es lo que gusta a la gente, ver esta aproximación cinematográfica, es lo que hace atractivo el spot, también  podemos hablar sobre el contenido argumental del spot que trata del paradigma sobre el mundo al que nos estamos acercando y que ya ha sido tratado en algunas películas como Matrix o más recientemente de una forma no tan parecida a la del anuncio a la película In Time. Lo que Matrix fue considerado la revolución del cine como tal, también es  considerada una película con un contenido cultural propio del s.XXI,  eso es lo que intentan hacer con el anuncio de Toyota, vender el producto mediante una representación de la cultura propia del siglo XXI.

Otro ejemplo claro de lo que sería una aproximación a la cinematografía que fue además un spot dirigido por un director de cine,  Jaume Balagueró. En el siguiente video el propio director del anuncio explica como utiliza elementos propios de la cinematografía en la publicidad.

Aquí podemos ver el resultado de su trabajo.

En el anuncio se aprecia lo que el director nos expone en el making off, sobre las pequeñas secuencias que forman el anuncio, en que cada una de ellas parece ser un trozo sacado de una película. De esta manera la representación en pocos segundos que se hacen en algunos  spots es lo que podríamos considerar cultura, el traer la espectacularidad  de efectos especiales, de argumentos propios del cine al mundo de la publicidad es lo que en algunos casos llegue a dejar apartado el tópico de que la publicidad es mala porque estereotipa, porque manipula porque influye de manera negativa, a que se la considere un elemento cultural propio del siglo en el que vivimos, el hecho de haber transformado ese tópico, de intentar escapar de alguna forma del postmodernismo en que se reciclaba los elementos que ya se tenían, como solamente hablar del producto y sus características materiales del producto a hablar de su carácter el arriesgar hablar solamente al final del anuncio del producto el hecho de mezclar formatos.

Es evidente que podríamos considerar que no se ha hecho nada nuevo, sino que simplemente se ha aprovechado el formato que utiliza el cine como tal y se aplicado en el ámbito publicitario, pero es exactamente esto es lo que lo hace nuevo, el hecho de aprovechar otros formatos y redimensionarlos para ámbitos diferentes, el dejar de reciclar solamente con los elementos que son propios de la publicidad. Para terminar, podemos ver anuncios que utilizan elementos nuevos de la propia publicidad sin necesidad  utilizar, imágenes espectaculares del cine, ni los efectos especiales propios de las superproducciones, es un anuncio que se atreve a hacer lo que vemos en el anuncio de Jaume Balagueró, en que no habla del producto hasta el final del video.

De esta forma vemos como dentro de la publicidad también se puede reinventar sin necesidad de utilizar otros formatos, simplemente hacer un buen uso de la creatividad se pueden inventar nuevas formas de presentar la publicidad tal y como la conocemos. La creatividad humana llevada a un grado desconocido, es lo que hace que en determinadas ocasiones la publicidad pueda ser considerada cultura o como mínimo una representación de la cultura del siglo en el que vivimos, en el que se demuestra que ya no se quiere reinventar, sino que se quiere inventar.

Crees que la publicidad pueda ser considerada en determinadas ocasiones cultura?

Gracias, por prestar tu tiempo en leer este post, espero que te haya gustado.

Annie Hall

"Annie Hall"

“Alvy Singer (Woody Allen), és un còmic de Nova York. Fa més de 15 anys que està en tractament psicoanalític, s’ha divorciat dos cops de les seves parelles i no li agrada la idea del compromís. Coneix a Annie Hall (Diane Keaton), una noia jove que vol ser cantant i amb una personalitat una mica estranya, en un partit doble de tennis. Tot i el començament tan estrany que tenen ben aviat comencen una relació en la que apareix l’amor, la intimitat, la convivència, el trencament i el retrobament de la parella.

És una mica com una “autòpsia” de les relacions sentimentals; una reflexió amb punts irònics i còmics de les relacions personals. És la primera pel·lícula seriosa (tot i ser una comèdia) que va fer Woody Allen. De fet, es considera el principi d’una nova etapa en la carrera del director/actor pel tracte que li dona.

Va ser molt ben acollida a Hollywood, on va obtenir quatre de les cinc nominacions a les que aspirava en la cerimònia dels Óscars (millor pel·lícula, millor director, millor guió original i millor actriu principal). A més a més, va ser premiada en altres ocasions i és considera una magnífica pel·lícula.

El film es representa sobre un guió d’Allen amb la col·laboració de Marshall Brickman però, com ja sabem, el director novaiorquès tendeix a filtrar aspectes de la seva via real en les seves pel·lícules. De fet, la relació entre Allen i Keaton mostren certs paral·lelismes entre la seva vida real i el seu paper a la pel·lícula. La crítica del moment va veure que la interpretació per part dels dos actors era realment esplèndida, potser per aquells afers que els havien unit i separat en la vida real.

Com gairebé sempre, Woody Allen dóna un punt de vista diferent a l’hora de tractar els diferents aspectes del film com són els moments més afectius, els més sexuals o bé aquells en els que el ’intel·lecte ha de lluir. A més, com ja s’ha vist en altres pel·lícules de Woody Allen, l’estructura narrativa trenca amb la linealitat i combina passat, present i futur per introduir experiències viscudes dels dos protagonistes, com referències a la seva relació o alguna anècdota de la seva infància. 

Però no només es barregen els temps en aquesta obra, sinó que també ho fan els estils, combinant alhora un estil típic de la comèdia de Woody Allen amb altres moments de reflexió profunda donant un caire més seriós al film. “Annie Hall” es divideix en dues parts: la primera podríem dir que fa més referència a la primera vegada que es veu i coneix l’altra persona, el típic “flechazo”. La segona etapa és aquella en la que, després de la primera, els personatges s’enamoren, intimen, conviuen, es barallen i entren en crisi.

Podem veure en aquest film alguns temes que Woody Allen tractarà al llarg de la seva filmografia com són el psicoanàlisi (que en la pel·lícula porta més de 15 anys tractant), la mort (Alvy llegeix tota mena de llibres que parlin d’ella o tinguin la paraula “mort”), sexe (es retrata com un personatge força obsessionat amb el sexe i Keaton com una noia que sempre busca una excusa per no practicar-lo), la família (que es veu al principi de la pel·lícula i en un “passeig” per les seves vides), Nova York (abans que altres ciutats) o la religió (amb la que Allen està bastant obsessionat –sobretot amb els jueus com ell-).

Hugo Somé-Giménez

EL LIPDUB: UNA NOVA APOSTA PUBLICITÀRIA

EL LIPDUB: UNA NOVA APOSTA PUBLICITÀRIA

Els suports amb els quals fer publicitat són diversos i se n’afegeixen de nous constantment, apareixen noves tendències i recursos. El gran complement de la publicitat són els mitjans de comunicació que l’ajuden a difondre entre els milers de milions de consumidors. D’entre aquests mitjans destaquen: la premsa, la ràdio i la televisió. Per ser més concrets, es coneix que la publicitat aporta als diaris i revistes més del 50% dels ingressos. Els anuncis en premsa més freqüents són els breus o els classificats per paraules sota els títols de “Venda i lloguer de pisos”, “Automòbils”, “Traspassos”, etc. Entre els anuncis generals hi ha els que tenen una mida gran: una pàgina, mitja pàgina horitzontal o vertical,... i després hi ha els mòduls, que són petits requadres on s’hi condensen els missatges literaris i les imatges més atractives per cridar l’atenció del consumidor. El paper de diari però, disminueix la qualitat visual de l’anunci i tampoc disposa de so ni moviment. La revista en canvi, soluciona el primer inconvenient esmentat ja què el paper és millor i l’anunci té millor qualitat visual amb color. En aquest cas, els anuncis ja van dirigits a un sector de consumidors més concret segons el públic de cada revista per la seva temàtica. Per exemple, en les revistes del cor s’hi anuncien en abundància colònies, maquillatge o moda perquè el públic és majoritàriament femení.

D’altra banda la ràdio és un mitjà de comunicació que disposa d’una capacitat per recollir notícies i emetre la informació, bona o dolenta al moment puntual i de forma gratuïta per als oients. La publicitat, per arribar a aquests oients, està de moda crear una cançó amb un text adequat per descriure el producte i encara que alguns publicistes pensin que no es una forma seriosa de presentar al públic els productes, l’experiència demostra que la cançó dura anys en el mercat i fa que tothom conegui el producte ràpidament. I d’aquest recurs publicitari també en beu la televisió, un mitjà què seguint el tòpic que una imatge val més que mil paraules va arribar a les nostres cases. L’únic inconvenient és que l’ús d’alguns guions complicats i d’imatges incomprensibles enlloc de sorprendre els consumidors, els poden confondre i trencar la venda del producte anunciat. Només es disposa de vint segons per cridar l’atenció, provocar el desig i l’acció de compra. L’espectador, però, si el veu més de quatre o cinc vegades pot passar de la incomprensió i l’interès a la indiferència per l’anunci i el producte en si. En definitiva, la finalitat d’un anunci publicitari és ensenyar el producte tal com és però dins d’un paisatge de somni, bellesa, sensualitat, luxe i confort, units en un còctel atractiu amb una màgica simfonia audiovisual. Tot i això, no hem d’arribar a l’excès. Els anuncis de les grans marques que inciten a un consum descontrolat poden provocar insatisfacció i frustació als clients. Tanmateix, com que hi ha tantes cadenes lluitant per captar telespectadors, el cost d’impacte és baix respecte a la premsa, la ràdio, revistes,etc. En definitiva, amb bona creativitat, el producte entrarà per la porta gran a milers de cases locals, regionals o nacionals segons siguin els objectius marcats.

De la mateixa manera que al lloc més dissimulat podem trobar publicitat, per exemple a les cabines telefòniques, papereres, murals, rellotges, exposicions il·luminades, transports públics (estacions i vehicles en si com ara a les portes), el lipdub naix de la mescla dels recursos de la música, vídeo, possibilitat d’adaptar la cançó per parlar del producte,... Es defineix com un vídeo musical realitzat per un grup de persones que sincronitzen els seus llavis, gestos i moviments amb una cançó amb unes característiques pròpies de producció i realització. Aquestes característiques són: gravar-lo d’una sola tirada on els participants fan playback però mostrant certa espontaneïtat en els moviments, autenticitat, nombre de participants elevat per fer-ho més vistós i mostrar diversió, alegria i harmonia per convèncer el consumidor dels resultats positius que té adquirir aquell producte. A més, un lipdub pot anunciar i explicar el funcionament d’un producte material però també d’una institució, festa, acte, empresa,etc. i el seu format serveix per emetre’l en televisió, la cançó a la ràdio, inclús en el cinema què tot i quedar-se actualment una mica en segon pla projectar l’ anunci (en format lipdub o no) abans d’una pel·lícula t’assegura que tothom qui està en aquella sala esperant veure un film s’assabenti de la projecció escollida segons el tipus de públic al qual va destinada la pel·lícula. Fins i tot, el lipdub, és un format publicitari què s’adapta al sens dubte el suport actual més innovador i més barat: Internet. Encara què estigui en fase d’evolució, ja ens dóna versatilitat i la possibilitat de triar el format d’acord amb les nostres necessitats i poder anunciar els productes universalment. Fins i tot, podrem saber les visites que rep la pàgina web i les vendes que s’aconsegueixen a través de la mateixa pàgina.

Per acabar us deixo amb dos exemples de lipdub, un format audiovisual què s’està convertint en un nou format publicitari. El primer és del Centre d’Esplai Gaspar de Portolà, produït el 2012 amb l’objectiu de donar-se a conèixer per mostrar qui són, què fan i com es diverteixen en el lleure. El protagonitzen els monitors i monitores, pares, mares i infants que en formen part. El segon és de l’Institut d’educació secundària “Ciutat de Balaguer”, produït el curs 2011-2012 pels alumnes de segon de batxillerat amb l’objectiu de passar una bona estona i ensenyar la institució per dins.

LIPDUB CE GASPAR DE PORTOLÀ:

http://www.youtube.com/watch?v=BHP9QQ4lMn8

LIPDUB INS CIUTAT DE BALAGUER:

http://www.youtube.com/watch?v=_a545OvCRO0

LAURA BAULIES BELLMUNT

¿Qué pasa con Lolita?

En los años 60 se estrenó la peculiar y polémica película de Stanley Kubrick, "Lolita". Censurada y prohibida en muchos países por la peculiaridad de su argumento (¡cuidado! spoiler):

El personaje protagonista es un profesor cuarentón que llega a Ramsdale como profesor suplente. Y allí, le alquila una habitación a Charlotte Haze, una mujer viuda que vive con su hija, la joven Lolita.  A partir de esta chica se articula un plan, por parte de Humbert (protagonista) para estar a solas con la bella Dolores Haze (Lolita). Ya que el atractivo de la joven i su comportamiento extremadamente erótico, enamora a nuestro protagonista, hasta el punto de volverle totalmente loco. Sacando a la luz sus comportamientos más perversos y maquiavélicos. Incluso llegando a planear la muerte de Charlotte (casados por conveniencia para estar cerca de Lolita), aun que al final se le hace imposible realizar el trabajo, y la casualidad hace el trabajo por él. Mediante un accidente de coche después de una discusión por la misma Lolita. Vemos que este personaje está presente en todos los eventos de la película, aun que no esté ella presencialmente. Eso da cuenta de la importancia del papel femenino  que contrasta con la personalidad sumisa de su madre. Aun que de todos modos goza de un liberalismo ideológico impropio para la época. En esta producción, vemos que todos tienen una visión muy avanzada de las relaciones sociales y del tema sexual.

El mundo del cine recibe numerosas influencias externas de la sociedad, y suele reflejar los caminos ideológicos que toma. Ya que si no lo hiciera se realizarían producciones obsoletas que, al final perderían el  atractivo. A través del cine se pueden entender los progresos históricos y los diferentes puntos de vista que residen en el momento por este mismo motivo. Y esta producción llega en una época, en que la mujer está en plena guerra con el hombre por determinar unos derechos que le permitan desarrollarse y meterse en la sociedad pública.

El derecho a voto, a introducirse en la vida política y la igualdad con el hombre hace que el concepto de la feminidad en la sociedad de los años 60 no sea la misma que dos o tres décadas antes de esta producción. Estos movimientos sociales marcaron un significativo cambio en el concepto de feminidad cinematográfico y mutó el papel de la mujer en el cine. Los papeles femeninos, exigían más complejidad psicológica e intelectual. Obtenían más importancia en la trama y surgían como elementos independientes de la figura masculina y con más fortaleza. A partir de esto nace, por ejemplo, el concepto de feme fatal. Y aquí es donde entra el papel del personaje de Lolita. Si la sociedad no estuviera en proceso de cambio, sería imposible utilizar este personaje en el mundo de Hollywood. Ya que es una figura femenina con mucha influencia y poder para la masculinidad, hasta tal punto de dominarles por completo. Hace parecer al hombre débil,  sumiso, y loco por la figura de la joven chica. Alejando la historia de cualquier dimensión racional o moral. Por este hecho fue tan polémica en su tiempo, y por eso es un ejemplo claro del cambio de mentalidad que supone la mujer en el patriarcado del momento.

La personificación del sentimiento feminista en Lolita, se puede encontrar en otros personajes del mundo del cine. Por ejemplo, mencionar el personaje de Lulú (La caja de Pandora) de G.W, Pabst. Este personaje se podría definir como un antecedente psicológico del personaje de Lolita. Lulú es una mujer sin ningún tipo de moralidad subyacente, ambiciosa, poderosa, que utiliza su espectacular físico y atractiva personalidad, para llevar los hombres a sus designios, y utilizarlos como una herramienta inerte en sus manos. Tres décadas antes de Lolita, nos encontramos con un personaje muy similar, y en el expresionismo alemán.

Esta tendencia se populariza en el cine europeo, y la crisis del 29 hace que gane fuerza frente al cine institucional americano hollywoodiense. Esta coincidencia hace que la concepción europea de la mujer se extienda en el panorama internacional. Además, con la llamada a filas de las guerras europeas genera una falta de mano de obra masculina, que hace que la mujer, se introduzca directamente en el mundo laboral por necesidad social. Por lo tanto también influye la mano directa de la mujer en la industria cinematográfica.
                                                       
   

Este conflicto de la mujer contra el hombre, por llegar a conseguir una igualdad completa de roles sociales y papeles profesionales, tiene su campo de batalla en la opinión pública y en los medios de comunicación (incluyendo el cine). Podemos encontrar ejemplos de ambos bandos. Como propiamente se puede vislumbrar en la publicidad española de los años 60. Hay un contraste abismal entre, por ejemplo, Lolita o Lulú, y el tipo de mujer que aparece en este anuncio de la televisión española. Como vemos, el conflicto crece y disminuye sus efectos en los medios, en función de la situación política o social que se vive en el momento. 

Por último, no podemos concluir que estos conflictos son cosa del pasado, de imagenes en blanco y negro, y que en la sociedad actual se han solucionado estos problemas. Ya que podemos decir que aun encontramos ejemplos muy similares a los que hemos podido ver de los años 60.

En este anuncio de el producto de limpieza cilit bang, vemos como el hombre le ofrece el método de limpieza a la mujer, para que ella realice las limpiezas de la casa. Y como este caso particular, podemos encontrar en las campañas de productos alimenticios, textiles o en los mismos programas de ficción, que la concepción de la mujer sigue en debate. Y que aun que se haya avanzado muchisimo en el panorama público y político, este tipo de ejemplos dan la  impresión de que aún queda un largo camino para que la mujer sea concebida como un elemento igual de esencial que el hombre en sociedad.

David Gallego Rodríguez

Entre Vito Corleone i Tony Soprano

Vito Corleone i Tony Soprano són dos personatges ficticis, protagonistes de les produccions “El Padrino” i “Los Soprano”, en les quals ambdós exerceixen com a caps de famílies mafioses. A priori, els dos personatges presenten moltes similituds , però al llarg de les dues obres es revelen clares diferències entre els dos capos.

La pel·lícula “El Padrino”, estrenada el 1972, narra la vida de Vito Corleone mostrat com un home d’aspecte elegant, refinat i seriós, típic dels gàngsters de l’època. La seva sang freda amb el negoci reforçada per una desmesurada astúcia, són els elements que li permeten liderar la màfia siciliana. Tot i així, dintre l’àmbit familiar, es destapa com un pare de família dolç i tendre amb la seva dona i els seus fills.

La sèrie de Tony Soprano, en canvi, és de l’any 1999, de manera que està enfocada en un context més actual. El cap de la màfia de New Jersey, no és de positura refinada com els característics capos, sinó que té una aparença més aviat deixada i grotesca.  Tony es manté allunyat de la perfecta capacitat i intel·ligència  de Vito Corleone, ja que per mantenir el poder  sofreix constantment. També cal remarcar la seguretat en si mateix del protagonista de “El Padrino” enfront la por i els atacs de pànic que pateix Tony Soprano  durant la sèrie.  A més, el líder dels Soprano freqüenta moltes baralles, rivalitats i desacords amb la seva dona i la resta de la seva família. 

Personalment, penso que Tony Soprano és un protagonista molt més proper a l’espectador i amb qui ens podem sentir identificats més fàcilment. A més, amb la figura de la psicòloga, a qui Tony confessa totes les seves intimitats,  es permet conèixer amb totalitat la personalitat i els pensaments del personatge.

Laura Aragonès Maigí

¿REALIDAD O FICCIÓN? 
UN MUNDO EN EL QUE TODO PUEDE SER POSIBLE.

Hoy en día es difícil impresionar e incursionar en el mundo del cine con una propuesta nueva, debido a que la mayoría de cosas ya están inventadas. Sin embargo, tienen mérito las producciones que logran impactar o por lo menos llevar a cabo una propuesta digna a la gran pantalla, ya que actualmente el cine español no goza de una solvencia económica suficiente para realizar grandes producciones; no obstante, es relevante resaltar que en el año 2012 logró un éxito rotundo, en cuanto a la mejor taquilla de los últimos años; gracias a grandes producciones como: "Lo imposible", "Las aventuras de Tadeo Jones" y "Tengo ganas de ti"; las dos primeras con reconocimiento y gran acogida en el cine nacional e internacional.  

Este año, los hermanos Àlex y David Pastor (directores españoles), se han arriesgado a producir una idea audiovisual bastante ambiciosa; sin embargo no es la primera vez que debutan en el cine, debido a que habían dirigido la película estadounidense Infectados (2009), en la que pudieron reflejar parte de su potencial técnico, pero lastimosamente no lograron despertar mayor curiosidad e interés entre los espectadores. Sin embargo, este 2013 los hermanos Pastor deciden seguir con el género de la ciencia ficción y centrar su atención en el planteamiento de una historia apocalíptica en la que el espectador debe realizar un paso de fe y cuestionarse todo el tiempo, si en realidad algunas cosas pueden ser más posibles que utópicas.

Los últimos días, narra la historia de una misteriosa epidemia similar a la agorafobia, que comienza a desarrollarse por el mundo; el miedo y el pánico se apoderan de las personas, al no poder salir al espacio exterior, ya que el hecho de salir a la calle, produce la muerte de forma radical. La gente busca refugiarse en los sitios cerrados; poco a poco el mundo se va exterminando y aislando de todo tipo de comunicación. En esta odisea Marc, un joven informático, emprende la búsqueda de su novia desaparecida, Julia.

En cuanto al guión de la película, la idea tratada es "original"; ya que se han realizado películas sobre el género apocalíptico, en el cual se plantea la posibilidad de destrucción del mundo; no obstante, Los últimos días pone de manifiesto la limitación que tienen los humanos al no poder salir al exterior, pero algunas de las secuencias representadas tienen desenlaces previsibles que hacen que el espectador pierda la capacidad de asombro por la cual ha decidido engancharse desde el principio. Por otro lado, esta producción no logra despertar o transmitir toda la angustia y el dolor ante una "soledad" llena de personas con pánico, donde reina la ley del más fuerte y la supervivencia individual está por encima del interés colectivo; cuando el dinero simplemente pierde todo su valor y la única moneda de cambio son las herramientas necesarias para sobrevivir al apocalipsis.

Respecto a los actores, podemos hablar particularmente de dos protagonistas principales que ayudan a desarrollar la trama de este Thriller apocalíptico, por un lado la actuación de Quim Gutiérrez y José Coronado, en el que Quim Gutiérrez representa un personaje del común, un trabajador cansado de su rutina laboral y posteriormente un joven desesperado que debe afrontar muchas dificultades para poder encontrar a su novia. En esta intensa búsqueda, tenemos la oportunidad de ver a José Coronado, como un Jefe de relaciones públicas que pretende hacerle la vida imposible al personal de la misma empresa donde trabaja nuestro protagonista; Coronado logra representar un papel maduro y fundamental que a simple vista puede personificar sin ningún tipo de problema. Trabajador y Jefe, una pareja que resulta bastante convincente a la hora de transmitir y llevar a cabo toda la aventura a través de los edificios y túneles de una Barcelona, que también aparece como protagonista, ya que nunca se había mostrado un panorama tan desolador, en un lugar que para muchos españoles es cercano y con el que llegan a sentirse completamente identificados. En la película también aparecen Marta Etura y Leticia Dolera, desarrollando un papel muy reservado y discreto, en el que no se acaba de explotar todo el potencial de las mismas, posiblemente porque los directores no buscaban otra línea argumental en la que pudieran intervenir con mayor fuerza.

Quim Gutiérrez (Izq.) y José Coronado (Dcha)

En cuanto al aspecto estético, Los hermanos Pastor logran impactar con la propuesta visual que se representa en las diferentes escenas, donde se puede apreciar el trabajo de Daniel Aranyó, con una fotografía adecuada a la escena y posteriormente disfrutar de la riqueza de planos, movimientos y angulaciones de cámara, efectuados para llevar a cabo la realización de esta película.  La banda sonora, a cargo de Fernando Velázquez, ha sido un elemento fundamental y positivo, que logra captar la atención del espectador y por tanto, transmitir esa serie de emociones que hacen que nos podamos sumergir en la historia de la película. Por otra parte, los directores utilizan con gran habilidad el recurso del "flashback", con la finalidad de relatar la historia y enseñar las diferentes relaciones personales de los protagonistas. 

Desde un punto de vista personal, esta película ha sido capaz de demostrar, que muchos talentos nacionales pueden sacar adelante grandes productos audiovisuales y dejar constancia, que no solamente Hollywood puede llevar a cabo grandes producciones; teniendo en cuenta que hoy en día, la tecnología y la comunicación nos facilitan los "medios suficientes" (con diferencia y guardando las proporciones) para desarrollar pequeños o grandes productos audiovisuales que pueden llevar implícitos, ideas interesantes y bien estructuradas.   

No pretendo criticar desmedidamente esta película u otra diferente a esta, sin antes observar las cosas buenas y malas desde el respeto y la admiración a aquellas personas que se dedican al mundo del cine, ya que no es nada fácil llevar a cabo un proyecto que requiere de tiempo, dedicación y presupuesto. Sencillamente prefiero recomendar la película a las personas que disfrutan tanto como yo en el cine, un mundo que te aleja de preocupaciones y los miedos que tiene la gente adulta; un espacio donde la palabra imposible queda relegada al beneficio de la duda y se da paso a la creación y realización de nuestros sueños más ingenuos.  

               

Alexander Romero Florez

Comunicación audiovisual